Auteur : Deitch
Editeur : Fantagraphics books

Commentaire : Terr’ble Thompson est un comic strip (dans la forme donc il est composé de six dailies en noir et blanc et une Sunday page en couleur) de 1955.
Il s’agit de l’unique œuvre de Gene Deitch dans ce domaine qui plus est d’une courte durée de vie (environ 6 mois). Celui-ci s’est distingué dans l’animation.
Terr’ble Thompson accumule les défauts :
- Strip continu (la même histoire se poursuit chaque jour y compris le dimanche) : dans une lecture ininterrompue la narration fait incessamment 2 pas en avant pour 1 pas en arrière.
- Produit marketé : difficile de ne pas voir les recettes et les trucs appliqués pour essayer de positionner le strip tels que l’identification au héros, à sa famille, l’aventure à tout prix, l’invention de mots, l’usage d’adjectif en prénom et formant les initiales avec la même consonne (Terr’ble Thompson ou Mean Morgan) etc.
- Le caractère puéril : malgré les affirmations de Gene Deitch et de l’auteur de la postface, Terr’ble Thompson n’est pas comparable à son contemporain Peanuts puisqu’il s’agit bien d’une bande dessinée pour enfants (la naïveté des scénarios l’atteste).

La lecture de Terr’ble Thompson est souvent agaçante et rien a priori ne justifie que Fantagraphics (référence dans la sauvegarde du patrimoine de la bande dessinée américaine) ne réédite ce strip.

Alors la seule raison semble être son style graphique, un style bien dans son époque, aux lignes simples et courbes, fait de couleurs vives et contrastées qui rappelle le style des dessins animés de la même époque. Les dernières Sunday pages déconnectées de la ligne principale de narration sont l’occasion de pages plus libres, à l’humour cartoon et qui donnent une idée de ce que aurait pu être Terr’ble Thompson.

Difficile pour moi de dire si Gene Deitch et Terr’ble Thompson ont eu une influence quelconque sur d’autres auteurs (il est probable que non), cette réédition vaut alors surtout pour curiosité.

Auteur : Le Gendre
Editeur : Carabas

Commentaire : Je ne m'attarderai pas trop sur le dessin. Non pour sa qualité mais car l'auteur est jeune (du moins je le suppose), et tel un professeur compréhensif (par bien des aspects la colère d'Achille ressemble à un travail de fin d'études) je serais tenté par cette formule sentencieuse "est sur la bonne voie, doit persévérer".
En effet, je vois une certaine audace dans le graphisme de Le Gendre. Il nous livre un matériau brut où l'on aperçoit tout autant le support (les coins des feuilles de dessin, l'épaisseur du carnet de croquis, ses spirales et les trous dans les feuilles) que les traits de construction du dessin. Le choix d'une palette de couleurs restreintes (au rouge, ocre et brun) participe lui-aussi d'une ambition graphique.
Ce choix de conserver visible le travail est probablement un moyen de garder la nervosité du trait que perdent souvent les débutants dans le processus classique de crayonné-encrage.
Dans les choix intéressants, je note aussi l'absence de décors (ou leur évocation minimaliste) dont le but est peut-être de donner une interprétation théâtrale. Et à la lumière de l'inexpérience constatée, je mets de côté les défauts et me laisse surprendre par l'aspect africain que donne ce mélange de couleurs et d'accessoires (en particulier les casques et les coiffures qui ressemblent tant à des masques).
Le choix du dispositif est quant à lui plus problématique tant il semble résulter d'un laisser-aller ("il faut vous reprendre, vous êtes sur la mauvaise voie" dirait le professeur).
Le Gendre adapte Homère et tout est dit. L'œuvre n’existe que pour le support qu'elle amène, pour la réponse évidente à cette question essentielle (paraît-il) : que raconter ?
Le Gendre s'assujettie volontairement à l'Iliade, toute la narration est portée par le texte original à travers des narratifs typographiés (typographie tellement symptomatique de la non-appropriation de l'œuvre par Le Gendre). Et le dispositif de bande dessinée classique semble alors totalement artificiel. Dénudation oblige, on s'interroge tout d'abord sur cette mise en page visible à l'état d'esquisse et remontée telle quelle dans sa forme définitive. On s'interroge aussi sur les autres dispositifs possibles (et peut-être préférables, ceux se rapprochant du texte illustré par exemple).
Motivation graphique évidente, désertion narrative et non-recherche d'un système pertinent, Le Gendre prétexte la bande dessinée pour simplement dessiner et nous propose une œuvre cul-de-jatte.
Reste tout de même au lecteur l'œuvre d'Homère faite de trahisons, de batailles sanglantes, d'interventions divines et finalement de drames humains. Ce n'est pas si mal, mais était-il utile d'en faire cette interprétation ?

Auteurs : Forest / Gillon
Editeur : Hachette

Commentaire : J'avais lu, il y a quelques années déjà, un des multiples avatars de ce 1er tome des naufragés du temps. Il s'agissait de l'édition de poche J'ai lu. Je ne prétexterai pas aujourd'hui l'ineptie du format pour expliquer mon incompréhension d'alors. Le problème était ailleurs.
Il y a tout au long de ce 1er tome (et j'espère dans les suivants car c'est ce qui en fait la saveur) une tension permanente entre 2 modes.
Et il faut reconnaître ici que la lecture d’autres œuvres de Forest (merci l’Association) aide à aborder celle-ci.
Forest par les noms dont il use (Trasse, blêmes variantes, holocanthes etc.), les races extraterrestres qu'il décrit (de simples rats, des crapauds géants, des monstres métalliques…) ou les phénomènes physiques dénués de toutes justifications scientifiques dont il constitue son décor (l'anneau-fleuve de Thanator) s'attache à décrire un univers de fantaisie (un peu à la même manière de Mystérieuse matin, midi et soir).
Et Gillon, tel un lecteur rebuté, apparaît totalement hermétique au style de Forest. En nous proposant un traitement graphique très réaliste (anatomie des personnages et décors), il interprète le scénario comme si tout cela était bien sérieux.
Alors parfois on atteint le ridicule (voir certaines déclamations de Mara), d’autres fois encore la maladresse (voir le raccourci narratif des premières pages) mais parfois enfin on frôle la sublime tragédie (voir toute la fin à partir de l’arrivée sur l’anneau-fleuve de Thanator).
On pourrait comprendre de ce qui précède que les naufragés du temps relèvent d’une lecture au 2nd degré. Avec d’abord celui de Gillon (réaliste, conventionnel, sérieux) et ensuite celui de Forest (merveilleux, humoristique). Mais il ne faut pas chercher ici de décalage ou de niveaux superposés. Au contraire, c’est dans la confrontation des 2 visions d’auteurs que réside tout l’intérêt de l’œuvre.
Un court mot pour finir sur l’édition lue ici, il s’agit de l’édition de 1974 d’Hachette qui se singularise de celles antérieures des Humanos par l’usage d’une bichromie sépia qui donne au livre un petit charme désuet.

Editeur : éditions de l'AN 2

Commentaire : Neuvième Art change de formule (en fait ça date du numéro précédent sur lequel j’ai fait l’impasse). Ce changement de formule est d’abord un changement de format. Plus livre et moins revue. Sans doute une tentative pour aller vers une certaine idée de la modernité. Malheureusement la mise en page n’est pas faite pour ce format et c’est particulièrement l’iconographie qui en pâtit ; la plupart des illustrations devenant simplement illisibles. Mais surtout ce numéro laisse une impression de fourre-tout-il-faut-remplir-et-faire-gros-surtout : beaucoup de dossiers (la mise en page, Trondheim, Pétillon, BD & philo, le New Yorker, plus une série de notes de lecture) et un nombre de collaborateurs qui me paraît augmenter.
Plus on en fait, plus la médiocrité a une chance d’apparaître. Et ça ne rate pas ici. Entre le dossier Trondheim qui n’apprend rien (si ce n’est le strip de Menu qui laisse penser que celui-ci n’a pas tout de suite compris la décision de Trondheim), celui sur la bande dessinée chinoise dont même Bodoï aurait honte et un article sur les blogs BD (qui est la pire chose arrivée à la bande dessinée ces dernières années) on peine à trouver quelque chose à lire. Alors au rayon des choses intelligentes, on lira l’article de Harry Morgan sur les caricatures de Mahommet (tout simplement le texte le plus pertinent que j’ai lu sur le sujet) ainsi que le dossier sur la mise en page avec en particulier l’article de Thierry Smolderen qui propose une autre classification de la mise en page à celle de Peeters (je retiendrai en particulier les termes de forme baroque et de forme kinétoscopique).
Trop gros, mal foutu, pas toujours passionnant, cette nouvelle formule de Neuvième Art n’a rien de très engageant, alors qu’il suffirait d’élaguer et de proposer moins plutôt que plus (mais ça doit déjà être une forme d’élitisme ça).

Commentaire :
Peu de choses à dire sur ces 2 numéros en eux-mêmes qui appliquent la même formule que dans ceux précédemment commentés sur ce blog. Cependant le n°2849 est livré avec un supplément BD intitulé le journal de la BD, on y trouve des bandes dessinées non Disney du même style que celles déjà présentes dans le journal, mais on y trouve surtout une curiosité digne d’intérêt à plus d’un titre : un épisode de Mickey scénarisé par Trondheim et dessiné par Yoann. Le journal nous indique que « le résultat est beau comme du Gottfredson et malin comme du Barks ». Barks dessinateur des canards ne me semble pas ici la référence de Trondheim, mais Gottfredson certainement. En tout cas, les auteurs nous offre une version nostalgique de Mickey (en culottes rouges) dans laquelle Mickey est aussi bien intéressé par l’argent que bagarreur (il castagne 3 fois de suite Pat Hibulaire). Cette version toute à la fois conforme à la tradition et légèrement irrévérencieuse est une heureuse surprise pour le lecteur blasé de la souris détective. Il faut aussi évoquer le travail de Yoann qui tranche radicalement avec le style policé des bandes Disney habituelles et qui participe ainsi à l’audace de cette interprétation. On regrettera donc que cette histoire reléguée dans un supplément et ostensiblement signée par ses auteurs soit destinée à rester une exception.